Diferencia entre técnica, temática y estilo.

 

Guía de estudio.  

Diferencia entre técnica, temática y estilo. 

 ¿Que son las artes plásticas? ¿Que es arte? ¿Qué es técnica?, ¿Que es temática?
  ¿Como la identificamos y describimos?

  Para empezar no vamos a definir el arte, porque ha sido objeto de una discusión conceptual a lo largo de la historia.

 Existen muchos autores celebres y pensadores han intentado definir  su concepto, su objetivo y por encima de todo, han aportado su criterio sintético:

 "La anatomía no será considerada aquí como un elemento de síntesis sino como un medio de análisis perfecto cuyo conocimiento es necesario al artista y representa una de las partes más importantes de la gramática de las artes plásticas" (Mureaux, A, p.) 

Al respecto Da Vinci. Dic:

"En todos sus gestos, las manos y brazos deben expresar lo mas posible el propósito de la mente que lo mueve, ya que a través de ellos, cualquiera que posea sentido artístico, sigue en sus movimientos para leer los propósitos de la mente".  

 ¿Que es la técnica?

 
Se dice que la técnica se refiere a un conjunto de procedimientos materiales o intelectuales aplicados a una tarea específica, con base del conocimiento obtenido con la práctica en la ciencia o arte.
 
 • Procedimientos utilizados para obtener unos resultados determinados.
• Técnica es la forma en que utilizamos las herramientas para realizar las obras en artes plásticas.
 
 
•En artes plásticas la técnica es la forma en que se utilizan las herramientas y materiales disponibles para realizar obras de arte.

 •Como por ejemplo la pintura al óleo, la acuarela, el acrílico, el dibujo al lápiz o al color, al carbón, al carboncillo, al bolígrafo, etc..  

  
• Dentro de este vasto universo de las técnicas de artes plásticas encontramos, por ejemplo, el acrílico o el óleo sobre lienzo.
 
•Existen, además, otras técnicas que son maneras de aproximarse a la creación artística de la obra.
 
• Cada técnica tiene una historia, una tradición del trabajo de los grandes maestros, cada uno con su método, con una forma de abordar la obra de arte y un estilo propio.  
 

• Por ejemplo:

 
•El renacimiento Van Eyck encontró el modo de hacer menos viscoso el aceite desecativo usado para mezclar los colores y le agrego barniz para lograr los resultados mas variados la textura: desde el cuadro pulido como un espejo y sin traza alguna de pincel, hasta solidez y resistencia.

 
 •  El empasto es otra técnica utilizada en pintura, donde se coloca el material en un área de superficie en capas gruesas y se difumina con el pincel o una espátula o los propios dedos para dejar marcas.   
 
• Existen otras técnicas que son maneras de aproximarse a la realización de la obra de arte.
Por ejemplo:

 

• La técnica del dripping (goteo) que inventó Jackson Pollock para el expresionismo abstracto.
 

• Leonardo da Vinci utilizó el "sfumato", degradando colores para crear tridimensionalidad, en la cara y las manos de la "Mona Lisa"

 • La cual, fue inventada perfeccionada por Caravaggio.

 
•  Las técnicas mixtas o combinadas, donde se pueden usar varios recursos pictóricos combinados para obtener mejores resultados.

 

• El claroscuro es otra técnica donde se aplican las técnicas que aprendemos con el lápiz, el carboncillo, etc.

  • Se dice que lo que cuenta en las artes plásticas es el resultado final, el efecto del conjunto, la atmósfera, el acabado, pero también que el artista principiante con solo un poco de "aptitud", alcanzará tarde o temprano los resultados por sí mismo.

• Se dice que todo lo técnico, es proceso, es decir la práctica se obtiene por el transcurso del tiempo, por lo que en ella es muy importante la tradición y el aprendizaje por experimentación (suma de éxitos y fracasos). .

  •La finalidad del conjunto de procedimientos materiales aplicados a la enseñanza-aprendizaje de la técnica de las artes plásticas, con límites bien definidos, es la de ofrecer al principiante una guía practica, algo que lo ponga en condiciones de adquirir una técnica y un cierto "oficio"

 
•Naturalmente, la práctica se obtiene siempre sucede siempre y cuando se haya hecho como mínimo de entrenamiento efectivo y se haya adquirido el hábito de utilizar los instrumentos; ; de la misma manera que como decía Renoir: "un obrero de la construcción no llega a ser un hábil albañil, si ante no ha hecho durante un cierto tiempo de peón".

• Hay que tener en cuenta que, si hay algo que no se logra con la rapidez deseada es el trazo de las líneas en el dibujo, si un trabajo no sale bien no se debe romper o tirar, sino dedicarse a un segundo o incluso a un tercero, para después con la mente y el ojo más frescos, volver al primero.

 
•Como se ha dicho mas arriva ello debido a que las bases del dibujo es verdaderamente esencial y exhaustiva.

•Cuando el proceso culmina en los mejores resultados decimos que se alcanza lo que conocemos como habilidad técnica.   
 
 
¿Que es temática?.
 
• La temática se refiere al tema central de la obra de arte.
 

 

• Entre uno de los temas mas emblemáticos de la historia lo encontramos expresado estética y artísticamente en el cuadro «Los embajadores» del autor Hans Hobelin realizado a finales de 1533. 

Entre los temas clásicos dentro del arte plástico encontramos:

 

• Se estudian el bodegón al oleo o también llamada naturaleza muerta utilizada por autores como Velázquez y Cézanne.

 

• Paisaje tanto al natural como urbano.

Esta es la temática predilecta para los impresionistas. Por ejemplo Van Gogh.
 
ESTUDIOS ANATOMICOS.
  
•Este es quizás el tema artístico más tratado y también el más complejo, dada la exigencia de sus campos de aplicación....
 
.• Cuando se trata de dibujar o pintar objetos y paisajes, el autor dispone de mayor libertad, tanto para tratar el tema como para equivocarse.
 
 

 • Esta es mi configuración del cuerpo humano, te sera demostrada como si tuvieras el hombre natural delante de ti, no únicamente en forma de figura.. El motivo es que si deseas dedicarte a la pintura o escultura debes conocer a fondo las partes anatómicas del hombre, debes darle la vuelta o girar la mirada para examinarlo de diferentes aspectos, desde abajo, arriba y los lados, dar la vuelta a su alrededor e investigar el origen de la fuerza de cada parte 
 
    
 
¿Que es estilo?.
 
•Mientras que la expresión o estilo artístico se define como la composición de un conjunto identificable de características que permiten agrupar una serie de obras o autores dentro de un determinado estilo artístico.
 
•Los cuales compartirán en general métodos para componer una imagen. Con su aplicación, generalmente, conseguimos equilibrio, profundidad, fuerza y enfocar o proyectar el centro de interés.

 
•La composición del estilo es inherente a los estudios estéticos y artísticos.
 
•El uso de elementos estables para organizar una imagen coherente en un cuatro, en cuanto a su forma y contenido, nos permite afirmar que tal obra o autor pertenecen a uno o otro estilo. Con la aplicación de la composición del estilo, generalmente, conseguimos unir -elementos en un espacio, crear movimiento, equilibrio, simetría/asimetría, profundidad, contraste/luz/sombra, fuerza/punto/de interés.., todo para y por la mirada. Del estilo trata la composición que requiere una explicación mas pormenorizada.       
 
•Hacia el siglo XVІІІ los estilos artísticos abarcan espacios temporales y geográficos muy importantes y definidos.

 
• A partir del siglo XІX la Asociación de Dependencias Artísticas, dedicada al desarrollo de las Artes Plásticas y su proyección se acelera y el concepto de estilo se sustituye a veces por otros de menor dignidad, como los de corrientes o tendencias artísticas.
 
 Relación entre coreografía del teatro, el retrato y la estética.  
 

• La coreografía ha sido un tema recurrente a través del desarrollo del arte, debido al valor de la mise en scène o "pose". Característica del arte del teatro aplicada al retrato hechos a base de mirar los movimientos y las acciones humanas reflejadas, a través del lenguaje corporal y la expresión facial delante de un espejo.

 

•Por último, los barrocos fueron famosos en generar una atmósfera o ambiente teatral en sus obras de arte, donde vemos escenas de banquetes, bodegón, junto con personajes cuyos ropajes, peinados, complementos,  lujo y elegancia en los movimientos eran igual importantes que la impresión de sus expresiones faciales.

 

O en los mismo impresionistas, donde la armonía cromática y el colorido del paisaje eran igual de importantes que el del complemento y relación con la infraestructura de la figura humana en la pintura y viceversa.  

 
Algunos estilos artísticos:
 
El impresionismo, el barroco, el realismo, el surrealismo, el cubismo, el manierismo, etc.
Por ejemplo:

•El común denominador del impresionismo no era que todos fueran un grupo de amigos, sino que todos estudiaran la luz en la pintura y el efecto de esta en el conjunto, la atmósfera y como y por que las mezclas de unos pigmentos, sea cual sea la técnica que se utilice, resultan unas veces con contrastes de colores más nítidos y brillantes y otras obtienen como resultado colores opacos y sombríos.
 
•Los impresionistas se atrevieron a ir más allá de las cuatro paredes y hacer obras de arte al aire libre, a través de pinceladas rápidas y precisas para evitar que se secara el material.             
 
Ha sido teniendo en cuenta esto, que hemos realizado esta investigación, cuya estructura pretende ofrecer al principiante una guía practica, algo que lo ponga en condiciones de poder evolucionar en su desarrollo artístico.
 
 
 
El barroco.

• En el siglo XVІІ se desarrolla un estilo artístico llamado barroco, que es dramático.

• El barroco se caracteriza por una visión pesimista de la vida que es consecuencia de una profunda crisis económica, así como el triunfo del manierismo surrealista sobre los ideales humanistas del Renacimiento.  

 

•El artista no tiene por que repetir lo que dijo un personaje histórico. Basta con que reproduzca el diagnostico semiológico de lo que hizo o padeció necesaria o verosímilmente a juzgar por el carácter.

• Se produce una evolución de gustos estéticos, alejándose ahora de los gustos clásicos.

•Los artistas y arquitectos que incursionaron en este estilo, utilizaron todo tipo de trucos teatrales para reunir la acción visual de las acciones y pasiones humanas.  

• Durante mucho tiempo los (siglos XVІІІ y XІX) el término "barroco" tuvo un sentido de estilo peyorativo, con el significado de dramático, recargado, engañoso y caprichoso, hasta que fue posteriormente revalorizado a finales del signo XІX por Jacob Burckhardt y, y en el XX por Benedetto Croce y Eugeni d`Ors
• Algunos autores dividen el Barroco en tres períodos: «primitivo» (1580-1630), «maduro» o «pleno» (1630-1860) y «tardío» (1680-1750).
  
  
El cubismo.

•  Otro estilo es el cubismo que pretende resignificar la realidad del espacio, a través de la geometría.
 
• Se caracteriza por una visión geométrica del paisaje, la naturaleza y la figura humana.
 
• Renuncia a la perspectiva y al claroscuro, busca controlar el alto, el ancho de las formas geométricas. 

 

Como por ejemplo con la paleta P. Picasso pinta la figura de mujer compuesta por triángulos, rectángulos, cuadrados y cilindros, y con formas geométricas mas marcadas, y el fondo con líneas menos concretas.

•Despoja el dibujo de la figura humana de toda relación con el movimiento y la Anatomía.  
 

Cap. De Fernande sobre montaña de Santa Barbara, Pablo Picasso, 1909.
 
 

El impresionismo.

 
•Los impresionistas se atrevieron a ir más allá de las cuatro paredes y hacer obras de arte al aire libre, a través de pinceladas rápidas y precisas para evitar que se secara el material.             
 

Surrealismo.

• También esta el surrealismo que para dibujar la figura humana, toma la inspiración en sueños oníricos y el inconsciente del ser humano.
 

•Crean imágenes oníricas e imposibles de encontrar en la realidad consciente del ser humano y que son solo posible en los sueños...

  

 
• Aquí encontramos a Salvador Dali como el máximo representante del surrealismo.
 

"La girafa en llamas"
 
Cuadro al oleo sobre tabla, Salvador Dali, 1937.   
 

  Se trata de un motivo apocalíptico de la figura humana, donde el pintor deja ver toda clase de facetas psicológicas relacionadas con: Política, guerra, la mujer y el hombre.
 
 

Estas son las diferencias entre técnica, temática y estilo. Claro que todos pertenecen al campo del arte plástico, pero cada uno habla de cosas muy diferentes 

 Si sabes más sobre algunos los temas, dádmelo saber en los comentarios porque hay muchas cosas que son importantes para nuestro trabajo y que desconocemos.

 

Referencias.

 

1. Curso-Juliana Art- canal YouTube.

2. Colección Leonardo- Veneciana Editora Via V. Foppa 14. Milan Italia.

3. Da Vinci. Cuaderno de Notas. M.E. Editores. Madrid 1997.

4. La mayoría de las fotografías y gráficos que aparecen en esta pagina son tomadas de la web: Wikipedia y Pinterest que permiten su utilización sin fines lucrativos. En el libro/y cuaderno citados aparece el origen del resto de las fotografías, en caso de queja poneros en contacto mediante comentario. MUCHAS GRACIAS.